15 modi per disegnare e dipingere più in fretta

Questo articolo elenca quindici modi che puoi adottare per disegnare e dipingere più velocemente, senza compromettere la qualità del tuo lavoro.   1. usa un fondo tinto Ci sono molti...
Questo articolo elenca quindici modi che puoi adottare per disegnare e dipingere più velocemente, senza compromettere la qualità del tuo lavoro.

 

1. usa un fondo tinto

Ci sono molti benefici nel lavorare su un fondo colorato. Uno di questi è che disegnando o dipingendo si raggiungono risultati apprezzabili più rapidamente. Un fondo colorato occupa tutta la superficie dell’opera fin dall’inizio. Esso può agire come mezzo tono, permettendo di agire magari anche solo con interventi di bianco e nero per sviluppare le zone chiare e scure (come negli esempi di seguito) o essere lasciato parzialmente visibile. Il risultato sarà un opera che potrai completare più rapidamente.

Un ritratto di  Mariam Shafei-Sabett realizzato nella scuola di Dame Alice Owen, Hertfordshire, Inghilterra che rappresenta degnamente gli insegnamenti di Amiria Robinson:painting-ground

 

Il bellissimo ritratto sulla sinistra è stato realizzato su un fondo marrone chiaro (che offre una base di colore che richiama i toni medi della pelle e viene anche lasciato visibile sullo sfondo). Sulla destra, una serie di slavature ocra, blu e marrone fornisce uno sfondo per il disegno in bianco e nero realizzato a matita bianca e di grafite.

2. Incorpora materiali misti (superfici decorate, trame materiche)

Come per l’utilizzo di un fondo tinto, carte con stampe fantasia, oggetti decorativi o tessiture, sono in grado di coprire le aree di un’opera d’arte in fretta. Questa strategia può essere molto vantaggiosa e offrire soluzioni interessanti, anche se dovrebbe essere usata con cautela, selezionando solo materiali che sostengono o migliorano il progetto.

Due opere di Alyssa Church della Bingham High School, South Jordan, Utah, United States:AP-studio-art-concentration

 

Queste illustrazioni di fiabe (a sinistra la ‘principessa sul pisello’ e a destra ‘Tremotino’ – un personaggio di una fiaba dei Fratelli Grimm) sono sgargianti, queste opere sono ben composte e dimostrano una ottima attività nel disegno e la comprensione di alcuni aspetti grafica contemporanea, inoltre sono realizzate risparmiando tempo risparmiando grazie alla copertura di grandi aree con elementi decorativi stampati di vario tipo.

“Violenza domestica” due esempi da una serie di illustrazioni dell’artista Scott Watersamericana_apache

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L’artista Scott Waters produce dipinti dal forte impatto su una serie di superfici trovate casualmente, tra cui carta da parati, cartoline e romantiche copertine di libri di evasione. Si noti che le superfici scelte sono congrue con il messaggio dei lavori: la frantumazione traumatica della felicità domestica.

3. lavora su molte opere contemporaneamente

Lavorare in serie – agendo su varie pitture o disegni nello stesso tempo – può essere una buona strategia per rendere veloce il proprio lavoro. Agendo in questo modo si velocizza il lavoro per diverse ragioni:

  • Un singolo colore può essere usato passando da un’opera all’altra senza la necessitò di fermarsi per mescolare i colori e lavare i pennelli
  • Durante il tempo di asciugatura di una fase di lavoro su un opera, si può passare lavorare alle fasi di altre
  • Gli stessi processi o tecniche possono essere padroneggiate più velocemente grazie alla ripetizione su lavori susseguenti

Inoltre, quando si lavora su più pezzi contemporaneamente, le ‘preziosità’ tecniche superflue sul lavoro tende ad essere abbandonate, spingendo l’esecutore a una maggiore sperimentazione oltre che a e una maggiore velocità di lavoro.

Lo studio dell’artista Willem de Kooning:de-kooning-studio

 

Queste foto dello studio di Willem de Kooning ci fanno vedere diversi lavori in corso appesi al muro e sparsi sul pavimento. Anche se la creazione di un ambiente di lavoro grandioso come questo non è possibile nella maggior parte degli artisti, è possibile creare sulle pareti dello studio molte bacheche e se le opere in via di realizzazione non sono troppo grandi possono essere utilizzati per visualizzare i lavori in corso.

4. dipingere le cose nel giusto ordine le aree di sfondo per prime

Metodi di pittura illogici sono sorprendentemente comuni. In quasi tutti i casi, deve essere completato prima lo sfondo , seguito dai piani intermedi, per finire con i primi piani. Questa sequenza è facilmente comprensibile prendendo in considerazione il processo pittorico per dipingere un albero sullo sfondo di un cielo nuvoloso. Se si commette l’errore di dipingere prima l’albero, poi bisognerà dipingere meticolosamente il cielo intorno ad ogni foglia e ramo: un compito irritante che richiede ore (e finisce per creare una immagine pestata e poco coerente). Dipingere il cielo prima, invece, significa che che si può usare un pennello più grande che rende la realizzazione del cielo, rapida e sciolta, successivamente si può passare all’albero che si può facilmente aggiungere sul cielo già finito. Dipingere nell’ordine corretto si traduce anche in una pittura dagli strati corretti che rendono più profondo il senso della prospettiva e conferisce all’immagine ricchezza e lucentezza.

Una volta capito come costruire i livelli di pittura a strati, ti renderai conto che questo metodo in fasi può riguardare anche un processo di disegno.

Paintings by artist Susan Danko:susandanko_54345345_large

Questa opera astratta, vibrante e architettonicamente ispirata di Susan Danko è un ottimo esempio di un lavoro che deve essere dipinto con un ordine logico. Questi quadri sarebbero stati eccezionalmente noioso nel caso che i raggi di luce fossero stati dipinti prima.

5. Usa il nastro da carrozieri per creare bordi netti e dritti

Può sembrare che dipingendo sia necessario lavorare esclusivamente a mano libera, credo che questo sia un falso problema: la prova della tua abilità nella pittura può essere accertata nel resto della tua pittura. Il nastro da carrozziere aiuta a creare bordi dritti in pochi secondi. Una volta padroneggiato questo trucco potrà risparmiarti ore di lavoro.

Un quadro di  Amiria Robinson:amiria-gale-paintings

Un particolare ingrandito di questa pittura che rappresenta una marina può essere visto a destra. Tutti i bordi netti e le rette sono stati creati usando nastro per mascheratura da carrozziere.

6. lascia il lavoro volutamente incompleto

Con scaltrezza puoi lasciare certi lavori volutamente “non finiti”. Sembra paradossale ma non dovresti sentirti obbligato a finire ciascun lavoro, ci sono molte occasioni in cui rifinire totalmente un disegno o una pittura non è necessario. Lasciare un lavoro incompiuto è particolarmente utile per svolgere ricerche visive, esplorando le idee e sperimentandole con i media. Per certi stili artistici, il non finito può anche essere opportuno nelle opere finali magari per attirare l’attenzione su punti focali dirigendo l’attenzione dove volete all’interno un’opera.

Disegni di attrezzi di  Jim Dinejim-dine-tools

 

Jim Dine è un artista eccezionale da cui prendere ispirazione. I suoi disegni a carboncino combinano precise analisi dei contorni (che svaniscono e sono incomplete in alcuni punti), con aree perfettamente rese circondate da forti segni gestuali ed espressivi per marcare alcuni degli spazi negativi intorno agli utensili.

Disegni di Megan (a sinistra), Parrish (a destra in alto) and Anna (a destra in basso) realizzati nel dipartimento artistico della Cedar Ridge High School, di Hillsborough, North Carolina, United States:line-drawing-emphasis

 

Questi disegni sono volutamente resi incompleti colorando solo alcune aree, creando enfasi e dirigendo lo sguardo.

7. ometti parte della scena

Omettere deliberatamente certe parti della scena da disegnare creerà una immagine di forte impatto sul lavoro finale, questo artificio va usato con cautela

Deliberatamente individuando alcune parti di una scena per disegnare ha un forte impatto sul lavoro finale e deve essere usato con cautela per garantire che l’immagine risultante sostiene le idee esplorate nel progetto. Come per l’opzione precedente, questo permette di dimostrare una forte capacità di disegno di osservazione, risparmiando tempo omettendo parte della scena.

Deliberately picking out certain parts of a scene to draw has a strong impact on the final work and must be used with care to ensure that the resulting image supports the ideas explored in your project. As with the previous option, this allows you to demonstrate strong observational drawing skills, while saving time by omitting part of the scene.

Un disegno a matita di Langdon GravesNever Forever bird detail small

Questo disegno contemporaneo dell’artista Langdon Graves involves carefully selezionando solo alcuni elementi di questa testa disegnati delicatamente e con estrema precisione riesce a creare una forte tensione narrativa.

Una esercitazione scolastica di Madeleine Fernsbusiness-men-walking Eliminare certe aree di una scena è una misura drammatica che mette immediatamente a fuoco il significato di un’opera. Questo lavoro scolastico di Madeleine mostra solo uomini che camminano su una strada con ogni altro elemento dell’ambiente circostante oscurato e appena accennato. Questo suggerisce immediatamente la monotonia, la tediosa quotidanità, il vivere con il pilota automatico, lo svolgere la routine quotidiana senza mai fermarsi a notare il mondo che passa.

8. toni appiattiti selettivamente

Un’altra opzione che hai a disposizione è quella di appiattire certi toni – rimuovendo in certe zone tutti i passaggi sfumati dall’ombra alla luce. Anche questa strategia dovrebbe essere usata con cautela – e di norma solo in certe zone. Come mostrato dagli esempi artistici di seguito, ci sono momenti in cui tutte o parti della variazione tonale all’interno di un’opera possono essere omessi con grande successo.

‘Nessuno vuole usare SEGA insieme ad Harrison Ford’ di Brandon Bird:brandon-bird-harrison-ford

 

In questo dipinto contemporaneo ad olio raffigurante Harrison Ford, artista Brandon Bird posiziona accuratamente tre figure realisticamente rese e un sistema di giochi SEGA in una campitura piatta monotonale (è interessante sapere che questa opera è disponibile in stampe con diversi sfondi colorati). Questo elimina ogni ingombro inutile e focalizza rapidamente l’attenzione dello spettatore.

Autoritratti di Annemarie Busschers’, dalla serie ‘Al di là di dolore’:annemarie-busschers-artist

 

Gli autoritratti di Annemarie Busschers sono incredibilmente resi, con estrema attenzione ai dettagli e irregolarità della pelle. I capelli e il corpo sono resi in colori pallidi; i capelli quasi completamente privi di tono. Questo spinge tutta l’attenzione al viso; al contorno delle labbra; all’emozione degli occhi.

9. focalizzati sulle linee

ci sono molte occasioni in cui può essere adeguato disegnare usando le sole linee di contorno. Disegno cieco, di puro contorno, a linea continua, di contorno incrociato ed tutti i tipi di disegno tratteggiato (vedi anche l’articolo su “tutti i tipi di disegno al tratto“) possono costituire – magari combinati con altri interventi – nuovi approcci creativi alle tue forme espressive.

Un blocco di appunti visivi di Annie Jones un allieva di scuola d’arte:  a-level-architecture-project2

 

Le esercitasioni di questa studentessa mostrano complessi dettagli architettonici con una tecnica per lo più lineare, i disegni sono appena ombreggiati e sono tracciati sopra ricche trame colorate che rendono queste pagine ricche di interesse.

Lavori di Federico Infante, un artista contemporaneo: federico-infante-drawings

 

In queste opere Federico Infante utilizza il disegno lineare per creare effetti residui post-immagine, applicando il tono solo in alcune zone. Questo aiuta a trasportare lo spettatore dentro al mondo della figura centrale, in modo da condividere l’emozione di quei momenti congelati nel tempo.

10. includi fotografie

La fotografia – specie se manipolata – è in grado di fornire un eccellente meccanismo retorico per la trasmissione di emozioni e contenuti.

Le pagine del quaderno di bozzetti di Littlemissnoface:  composition-development-a-level

 

La fotografia può essere utilizzata come strumento per lo sviluppo di composizioni complesse, come nelle bellissime pagine mostrate qui sopra. Invece che mostrare una serie di comuni istantanee di scattate per repertorio, le fotografie qui sono manipolazioni digitali complesse, che aiutano a perfezionare idee e composizioni, poi riprese con il disegno e usate come collage interessantissimi.

Oltre ad essere utilissime per lo studio e la pianificazione della composizione, la fotografia può essere usate per collage o utilizzate come base per la pittura. Se parte della fotografia rimane visibile nel lavoro finale, si possono venire a creare interessanti commistioni espressive.

Pitture su fotografie di Charlotte Caron:charlotte-caron-artist

 

Charlotte Caron mostra, in queste opere, musi di animali dipinti a coprire i volti di ritratti fotografici. Da notere l’unità cromatica intelligente dei colori scelti per ciascuna immagine.

11. crea opere astratte (o semi-astratte)

La produzione di opere astratte può essere una attività artistica conclusa in se, oppure può essere usata come mezzo di ricerca per associare e dissociare immagini e concetti, alla ricerca di ispirazione o per sviluppare una forte capacità di osservazione. Una idea può essere quella di produrre un lavoro astratto derivato da lavori realistici precedenti, come nell’esempio proposto qui sotto:realism-to-abstraction2

 

Questo progetto artistico parte da disegni realistici realizzati in modo meticoloso, per poi svilupparsi , passo dopo passo verso l’astrazione delle forme che compongono l’ultima opera a destra della sequenza mostrata.

Un’altra strategia può essere quella di incorporare elementi realistici in composizioni astratte, creando lavori che sono in parte realistici e in parte astratti.

Un opera di Nikau Hindin:  a-level-painting-fruit

 

la a frutta e le verdure sono dipinte realisticamente su fondi astratti ricchi di colori e lacerazioni, l’effetto drammatico è notevolissimo

12. usa un pennello grosso

C’è qualcosa di sorprendentemente liberatorio nel dipingere con un pennello molto grande – soprattutto se si è in precedenza lavorato in modo molto pignolo e dettagliato, individuando dettagli delle dimensioni di una punta di spillo. Presto si scopre che ottenere bordi puliti con un pennello grande è sorprendentemente facile  e che si può raggiungere inaspettati livelli di dettaglio.

Dipinto giornalieri di Cathleen Rehfeld:  cathleen-rehfeld-art

 

Cathleen Rehfeld realizza un nuovo dipinto ogni giorno e li condivide sul suo blog. Il suo lavoro rende evidente che un pennello grande non inibisce la capacità di registrare il tono, catturare le condizioni di illuminazione o rendere la forma: anzi, crea immagini fresche e piene di anima: istantanee pittoriche in tempo reale.

13. sii più gestuale

Invece che dipingere in modo laborioso e dettagliato che richiede giorni e giorni di lavoro, le immagini possono essere create velocemente, usando gesti ricchi ed espressivi. Coloro che sono abituati a realizzare disegni o pitture realistiche, finemente controllate, di solito hanno bisogno di un po’ di tempo per adattarsi a questo nuovo approccio che non tutti trovano facile e comodo per loro; Selezionare il giusto attrezzo da disegno e i giusti medium può aiutare. Carboncini, stecche di grafite, inchiostri di china, grossi pennelli e pittura applicata con pezzi di cartone ci possono avvicinare a un approccio più gestuale (potete leggere – in inglese – l’articolo Beyond the Brush: Inventive Mixed Media Techniques se siete alla ricerca di ulteriori stimoli). Anche se questo stile di lavoro non è il tuo preferito e non rappresenta qualcosa che vuoi perseguire, può essere utile per il lavoro di studio, soprattutto quando si pianificano composizioni o si disegna dal vero.

Dipinti di  Jason Shawn Alexander:  jason-shawn-alexander

 

Queste splendide tele di Jason Shawn Alexander presentano volti rappresentati con stile strettamente realista, circondate da aree che diventano via via più gestuali e astratte. Questa è una strategia eccellente per la creazione di punti focali e la creazione di immagini ricche e coraggiose che catturano l’attenzione.

Schizzi di composizione e pitture finali di Edward Hopper:  edward-hopper-drawing

 

Anche se un lavoro finale è realistico e ben controllato, gli schizzi compositivi possono essere molto più grezzi. Questo è un metodo eccellente di lavoro, che permette test rapidi e sperimentazione di idee.

14. ricalca o fotocopia i tuoi stessi disegni

Il ricalco è da disapprovare nella maggior parte dei casi (c’è un ottimo articolo in inglese su questo argomento), ma ci sono occasioni in cui ricalcare è una strategia valida in un progetto artistico. Ad esempio, uno studio compositivo può essere rapidamente ingrandito con una fotocopiatrice e ritracciato/modificato come serve, invece di essere ridisegnato in scala maggiore; un disegno già esistente può essere rintracciato o fotocopiato per essere applicato per prova su un supporto o per una tecnica diversa. I modelli da ripetere, presi da disegni differenti possono essere ricombinati, sovrapposti e disposti insieme, per ottenere un nuovo lavoro composito.

Uno studio di Nikau Hindin:  a-level-art-portraiture-2

 

Noterete che la figura all’estrema destra del primo lavoro è stato ripetuto anche nel secondo. Anche un certo numero di altre strategie per risparmiare tempo sono state utilizzate nel lavoro a destra, come ad esempio la pittura su fondi preparati, la eliminazione di parti delle immagini, l’utilizzo di disegni lineari e l’inserimento di elementi astratti.

15. usa manipolazioni digitali

Riprendere a scanner lavori esistenti e modificarli combinandoli con parti di altri lavori ti può portare a nuove ispirazioni per nuove pitture e progetti artistici.

Manipolazioni digitali di Nikau Hindin’s:nikau-gabrielle-hindin

 

Queste immagini sono stati creati con Photoshop, usando immagini acquisite a scanner da pitture, sovrapposte digitalmente usando diverse trasparenze di livello e testo aggiunto. Stampate professionalmente su carta di alta qualità questi lavori sono molto belli e veloci da ottenere.

amiria-robinsonQuesto articolo è stato tradotto liberamente dall’ottimo articolo su Student Art Guide scritto da Amiria Robinson. Amiria ha insegnato per anni Arte & Design ed è stata per sette anni, Coordinatore responsabile per la progettazione del corso di Arte e di Arti Applicate e progettazione in due scuole superiori di Auckland. Amiria ha una laurea di Studio in Architettura e un Diploma in Didattica e possiede diversi altri titoli per insegnare Arte & Design. Segui Amiria su Google+


 


Questo argomento è trattato in modo approfondito durante le lezioni dei corsi di disegno e pittura che Circolo d’Arti organizza a Cagliari, Senorbì e a Casa Spadaccino (loc. Su Loi, Capoterra), e nel corso sul web. Guarda la lista di tutti i corsi.


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Alessandro Pedroni

Ciao, se mi leggi forse condividi con me l’amore per il disegno e la pittura e sei sempre alla ricerca di approfondimenti e nuovi stimoli, cosciente che c’è sempre ancora molto da scoprire. Mi piace condividere quello che ho imparato in una vita di mestieri fatti con la matita e i pennelli in mano, per questo insegno disegno e pittura da più di dieci anni e scrivo articoli sulla pratica del disegno e della pittura su questo blog.

2 numero di commenti a questo post
  • rosa borroni
    10 dicembre 2014 at 3:55 pm
    Lascia un commento

    Questo lungo articolo sulle tecniche e sulle più disparate modalità pittoriche, disegnative e compositive sono molto interessanti, giuste didatticamente.
    Quello che a me personalmente qui manca, è indicare che qualunque tecnica, antica o contemporanea può essere troppo fine a se stessa. Secondo me, la partenza giusta è scoprire, dandosi il giusto tempo,l’espressività del segno stesso, declinato in innumerevoli sfumature, intensità e gestualità personali improntate al rigore e alla autenticità.
    Apprezzo comunque la serietà e l’approfondimento. Grazie

  • Alessandro Pedroni
    Alessandro Pedroni
    18 dicembre 2014 at 9:15 pm
    Lascia un commento

    Grazie del commento Rosa, lo accolgo con gratitudine e in parte concordo. La mia intenzione era quella di proporre una vasta panoramica di spunti e stimoli, una antologia non esaustiva che mostrasse quante possibilità sono a disposizione di chi vuole esprimersi con le immagini. La mia esperienza è quella che, cambiando ed esplorando continuamente nuove strade, si cresce rapidamente e si allargano i propri orizzonti.

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